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Entrevista a la directora  Alexandra Leclere

Directora, guionista y compositora de la banda sonora de su primer largometraje (Mi hermana y yo, 2004)  con El Precio a pagar Alexandra Leclere retorna a la comedia, aunque sin los toques autobiográficos de su obra anterior.

EVC: ¿Este film tiene continuidad con su primer largometraje?
AL: Para nada. Es una historia nueva, una nueva aventura, aunque quizá si, ambas tengan un único elemento en común: el momento de la cena como disparador de algo imprevisto

EVC: ¿Cómo dirige a los actores, les da lugar para improvisar o prefiere que sean estrictos con el guión?
AL: Mis diálogos son extremadamente precisos. Yo busco música en las palabras, de modo que una palabra no puede reemplazar a otra, porque me cuido mucho de respetar la melodía. Eso es lo que le aporta ritmo a una comedia. Nunca dirijo a los actores en general. Les hablo personalmente a cada uno, discretamente, dándoles pequeñas indicaciones, lo más sutilmente posible. Me considero muy afortunada de haber trabajado con intérpretes que se dieron cuenta inmediatamente de las emociones que quiero expresar y que entendieron el significado de las situaciones que tuvieron que actuar.

EVC: ¿Ensaya mucho; filma tomas de más?
AL: En general no hago muchas tomas porque resuelvo por intuición y trato de no cansar a los actores, en rigor, ensayar nunca ensayo

EVC: ¿Cómo desarrolla los diálogos?
AL:  Es lo que más me gusta. Cierro los ojos y visualizo las escenas y los diálogos, entonces, surgen de allí, de las situaciones que ya he creado. Por sobretodo, como decía, yo busco música en las palabras. Trabajo tanto en el tono y en la musicalidad de las palabras como en su significado. Así es mi método de trabajo.    

EVC: ¿El ritmo al que hacia referencia, aparece al escribir el guión o al dirigir?
AL: Insisto, el ritmo y el tono de las palabras y las frases son tan importantes, para mi, como su significado. Mientras escribo me aseguro de que los diálogos generen ritmo y suenen rítmicos. En el momento de dirigir todo tiene que estar en su lugar y los interpretes deben señirse al texto lo más ajustadamente posible.

EVC: ¿Cómo armó la escena de la cena con la dos parejas? Resulta desopilante…
AL:  …para mi fue como cualquiera de las escenas. Recuerdo que tuve que reajustarle algunas líneas durante el rodaje. Por ejemplo, en el guión los hombres tienen que parar de reírse, pero a medida que rodábamos me di cuenta de que las carcajadas eran de tales proporciones, que tuve que reescribir la siguiente parte de la escena y adaptar los diálogos en consecuencia.   

EVC: ¿Qué buscan esos cuatro personajes?
AL: Los quiero mucho. Todos buscan la felicidad y se tiran, entre ellos, con lo que tienen a mano…

EVC: ¿Tiene una idea previa de la música que va a utilizar en el filme?
AL: No. El film debe estar construido como para transmitir un sentimiento y una atmósfera tales que puedan inspirar al músico.

www.estovadecine.com

Entrevista con Philippe Grimbert, autor de la novela Un secreto

¿Cómo llegó Claude Miller a dirigir la película sobre su libro?
Cuando Un Secret se publicó supe enseguida  del interés de varios cineastas para realizar la adaptación cinematográfica. Con Claude Miller labré el vínculo más inmediato e intimo. A partir del primer encuentro todo se precipitó…

¿Fue la empatía o hubo otro tipo de coincidencias entre ustedes…?
El primer encuentro fue decisivo. No obstante, de entrada fue un tanto incomprensible sentir que la cosa podía marchar, pues consideraba que mi libro era imposible de adaptar. Pero el encuentro con Claude se enriqueció con una coincidencia de historias personales. Compartíamos un mismo  cuestionamiento sobre el tema de la identidad y los orígenes. Ambos somos hijos de personas que optaron por silenciar sus orígenes. Ese fue un punto en común que hizo que nos uniéramos tan fuerte y rápidamente. También la confianza total de cada uno en el otro

Se dice que no participó activamente en la escritura del guión. Llama la atención siendo escritor
Yo creo que el libro debe, en un cierto punto, escapar de su autor. El filme tiene su proceso de construcción que debe encontrar su propio camino su identidad. Yo no soy guionista profesional por eso confié plenamente en Natalie Carter y en Claude. Recuerdo que les dije: hagan con mi libro lo que la inspiración les dicte”.

¿Cómo se sintió al leer el guión por primera vez?
El guión me enseño muchas cosas sobre mi libro. Descubrí, por ejemplo, que no tiene diálogos ¡¡literalmente!! Tuvieron que inventarlos todos.  Descubrí, entonces, lo que mis personajes dicen, lo cual no deja de ser perturbador para mi, el autor. Ellos adquieren, con esto, una existencia y una consistencia que yo no les había dado.

Los personajes  del libro y del film, los principales sobre todo, son en su mayoría de su familia ¿Le pareció bien la elección de los actores?
Cuando supe los nombres de los actores tuve una especie de shock. Tuve que admitir que esa gente que yo había conocido tan íntimamente, en la pantalla iba a ser interpretada por grandes estrellas. Me perturbó que no hubiera ningún parecido físico entre los actores y los reales.

¿Sintió que Amalric supo meterse en su piel? (el actor representa a Grimbert adulto en el filme)
Fue muy halagador verme interpretado por un actor tan fantástico. Disfrute de una suerte de distancia absoluta con mi encarnación y no me perturbe, al contrario de lo que pasó con los personajes de mis padres. De hecho, únicamente me negué a que mi personaje se llamara como yo, me pareció inmodesto de mi parte…

Debe ser incómodo ver a sus padres en la pantalla, incluso en momentos sumamente íntimos…
Yo soy psicoanalista y supongo que mi entrenamiento me sirvió para poder ver lo que en nuestra jerga llamamos “la escena primaria”, o sea la visión de los propios padres haciendo el amor. Es una escena que, por excelencia, a un chico e incluso  a un adulto le resulta muy difícil de tolerar. Yo he trabajado mucho sobre mi mismo para ser capaz de presenciar algo semejante con el suficiente distanciamiento y desapego…  

El director de, Palabra por Palabra,  tiene 52, nació en Bahía Blanca y se graduó de ingeniero. La puesta, alejada del género bélico, recibió el primer premio de la Asociación Católica Mundial para la Comunicación Signis, en el VI Concurso de Posproducción Cinematográfica para América Latina.

Sobre su filme le dijo a www.estovadecine.com : “Cuando uno elige una profesión con un instrumento tan contundente como una cámara, un lenguaje como este, siempre entendí que era para decir algo importante, más allá de que se consiga o no. A mi manejar ciertos resortes de la memoria y la nostalgias me resultan más familiares que hacer una comedia” Y siguió conversando:

EVC: ¿Cómo surgió la idea de hacer un filme sobre la guerra de Malvinas?
EC: Yo he sido redundante con el tema de la memoria. Lo he tomado como un legado de mi generación que ha sido bastante diezmada,  por los años de la dictadura, y por los que ha pasado en Malvinas. Una misma generación prácticamente. Nos diferencian seis o siete años. Mucha gente joven, en definitiva, que se perdió. Cuando decidí dedicar mi vida al cine fue para contar lo que ha ido pasando.

EVC: ¿Qué lo remite a la guerra de Crimea?
EC: Yo mismo me sorprendí durante la escritura del guión, preguntándome por qué estoy parado en este punto. Los ingleses fueron permanentemente colonizadores, siempre con el halo de que todo lo que emprendieron lo ganaron. Yo quería contar otra parte de esto. Lo mismo de la guerra de Malvinas. En (la guerra de) Crimea a los ingleses no les fue nada bien, es más tuvieron  perdidas enormes de vida.

EVC: ¿Por qué destaca el aspecto sanitario?                                                                                                                          EC: Quería mostrar ese lado flaco del poderío ingles. Esa fractura que tuvieron  Esa guerra (la de Crimea) le costo el puesto al premier británico de aquel momento.  Y a la vez, quería subrayar  lo más cruento del sufrimiento en el combatiente inglés. En este sentido preservé al soldado argentino de este sufrimiento (que lo tuvo, desde ya).

EVC: El personaje de Katia Aleman está como desdoblado…
EC: El personaje de la muerte, que tiene Katia Aleman fue concebido así desde el principio lo cual significó darle un perfil extremadamente medido a su composición. Era un desafío: el conocimiento del público sobre la actriz –su prestigio, su sonrisa seductora- nada de esto, ni siquiera su emoción,  debía interferir en la función principal que define el rol: la muerte.

EVC: La escena del desnudo de Katia Aleman; por un momento uno siente que el personaje del soldado argentino posa su mano en una mujer vestida…
EC: Es la protección de la madre. No hay relación simbiótica más directa entre un niño y la madre que eso que lo alimento desde pequeño. Es una imagen sumamente onírica

EVC:  ¿Por  qué se corrió del género bélico para tocar el tema de la guerra de Malvinas?
EC: Hasta ahora la línea trazada por las otras propuestas de colegas remiten a la guerra. Yo no quería hacer una película de guerra por dos razones. Desde lo ideológico quería marcar otro perfil distinto. Pero además, no me daba el cuero por razones económicas.

EVC: En las partes de combate Ud. cierra la imagen. No hay planos generales, eso apunta a lo que acaba de afirmar…
EC: Yo pensé de la siguiente manera:  Lo poco que haya de combate tenía que ser potente. Por ejemplo, la escena en la que un jeep vuela por los aires. Nosotros compramos un Land Rover y lo volamos.  

EVC: ¿Dónde fueron las locaciones?
EC: Hay partes que están hechas en Monteleon, la casa los galpones, es en un parque nacional, en Santa Cruz. 

EVC: ¿La casa guarda un valor simbólico importante en la narración?
EC: La casa era el lugar del traslado del conflicto de dos bandos que hablan dos idiomas distintos, con puntos de entendimiento, el sensitivo, el humano. Quería que saliera un film totalmente antibélico. La batalla está puesta dentro de la casa.

EVC: ¿Pensó en algún momento en no utilizar música?
EC: Nunca imagine el proyecto sin música. Cuando conversamos con José Luis le dije: yo reconozco y admito tu capacidad, trayectoria y oficio de músico de cine. Yo te voy a enmarcar sensitivamente, emotivamente, lo que pasa en las escenas, vos interpretalo. El me dio la libertad de desechar pero yo estuve absolutamente conforme.

EVC:  ¿Cómo trabaja con el guión, lo sigue a rajatabla o es flexible?
EC: Una vez que tengo el libro cinematográfico, dibujo las escenas. Trazo como una coreografía de movimientos, cuestiono la puesta en escena. Y una vez que tengo la puesta en escena,. desde la acción, me pregunto donde pongo la cámara
Uno tiene que tener una gran tolerancia a las modificaciones. En mi caso era todo bastante previsible, yo tuve la facilidad de diseñar la puesta y eso fue una ventaja. 

Gustavo Camps
Raúl Valls