La cuestión humana
Título original: La question humoine
2007 Color, 142 Francia
Dirección:  Nicolás Klotz
Guión:  Elizabeth Perceval sobre una historia de Francois Emmanuel
Montaje: Rose-Marie Lausson
Música: Syd Matters
Fotografía: José Deshaies
Elenco: Mathieu Amarlic, Michel Lonsdale, Edith Scob, Lou Castel, Jean Pierre Calfon, Valerie Dreville, Laetitia Spigarelli, …

La cuestión humana es una película potente, que pone en tela de juicio desde el arte cinematográfico  la racionalidad técnica del sistema capitalista, de nuestro mundo globalizado y ajeno,  mis queridos lectores (si es que los hay).

Una vez que la vi en el Cine Club Núcleo, de Buenos Aires, pues no llegué a la función privada para el periodismo, inmediatamente fui a releer Dialéctica del Iluminismo, una de las obras más importantes de los pensadores de la escuela de Frankfurt.

Max Horkheimer y  Theodor Adorno demuestran acabadamente como el nazismo es el resultado de llevar a la práctica el objetivo más amplio del Iluminismo en la edad moderna:  liberar a mundo de la magia por medio de la ciencia. 

Los teóricos demuestran que "el ambiente en el que la técnica conquista tanto poder sobre la sociedad, es el poder de los económicamente más fuertes sobre la sociedad misma".

En el prólogo a mi edición de 1988, de editorial Sudamericana,  los autores sostienen: "Lo que nos propusimos que nada menos que comprender por qué la humanidad, en lugar de entrar en un estado verdaderamente humano, desembocó en un nuevo genero de barbarie". Esta fechado en Junio de 1947 y el comentario remite a la barbarie nazi de la 2da. Guerra.

E el filme Simón es el psicólogo estrella de una multinacional petroquímica. Trabaja en el área de Recursos Humanos. Consiguió sus laureles al llevar adelante con éxito y sin mayores conflictos la reducción del personal, de 2500 a 1200 empleados,  que le permitió a la empresa mantenerse en el mercado.

Con este Curriculum su superior, la máxima autoridad alemana de la empresa, le asigna la secreta tarea de observar los "extraños comportamientos" del gerente de la filial francesa para determinar qué peligrosidad importan para la firma. 

Al abordar su trabajo aparecerá el tema del nazismo, experimentado más por sus jefes de edad madura que por él, pues Simón es un profesional joven que de nazismo sabe por información más que por experiencia de vida.

En este sentido es de valor para el relato la escena en la que Simón esta en un bar con otros amigos y llega la policía y se lleva a varios parroquianos africanos, negros, ante la indiferencia de todos. Simón está alejado -y por lo tanto absolutamente inmerso y penetrado- de todo acontecer político.    

El director francés Nicolás Klotz utiliza los recursos del cine con prestancia. Las tomas son de un valor plástico substancial. Planos fijos,  raccords, uso de la continuidad fuera de campo,  primeros planos que relatan el interior de los personajes, tomas que dejan fuera de campo el rostro de los actores o del tronco para arriba.

Es difícil no conmoverse con los sentimientos que van invadiendo a Simón a medida que avanza su tarea. El filme brinda un goce intelectual alejado de las sensaciones vanas que nos provoca el acopio de tomas de acción hollywoodense.

Un párrafo aparte merece la utilización de la música, particularmente, la variedad de géneros musicales: académico, flamenco, tecno. La música como parte del relato más que para  apoyar la dramaticidad. La escena en la que canta  flamenco Miguel Poveda es poderosísima.

La cuestión humana forma parte de una trilogía de Nicolás Klotz sobre la exclusión social en Europa, junto con Parias (mención especial del jurado en el Festival de San Sebastián)  y La herida, un filme que aborda el tema de los inmigrantes.

Gustavo Camps 

Título original: Cassandra’s Dream
2006 Color, 108´ Reino Unido
Dirección: Woody Allen
Guión: Woody Allen
Montaje: Alisa Lepselter
Música:  Philip Glass
Fotografía: Vilmos Zsigmond
Elenco: Hayley Atwell, Colin Farrell, Ewan McGregor, Tom Wilkinson, Sally Hawkins

El sueño de Cassandra es el nombre de un velero de segunda mano que compran los protagonistas de este estupendo film de Woody Allen, el tercero producido por el cineasta  en Londres.

Pero el epigrama Cassandra nos remite a la tragedia, y la tragedia se hará presente también en este filme donde por lo menos podemos encontrar dos argumentos. Uno de ellos resuelto a través de un thriller sobre los avatares de dos hermanos que planean y cometen un delito.

El otro argumento, decíamos, nos remite a la tragedia. La tragedia griega nos muestra el momento de la lucha entre el hombre y el destino ante el cual nada es posible,  y sólo queda la estoica resignación.

La tragedia es el resultado del azar y la necesidad.  Los jóvenes del filme de Woody Allen necesitan salir a toda costa de la mediocridad de sus vidas y el tío que los ayudará, de la peor manera, aparece por azar en el momento preciso.

Otro condimento de la tragedia es el camino irremediable y sin retorno del héroe. En nuestro caso, los héroes saben que la propuesta del tío los pondrá en un lugar de máxima trasgresión; cruzarán una línea, llegarán a un territorio del cual es difícil (imposible) regresar. Ellos lo saben, se cuestionan, pero así y todo emprenden el camino.

Tanto Ewan McGregor como Colin Farell actúan papeles con un registro ampliamente elaborado, sin exageraciones, controlados. El primero ambicioso, calculador, egoísta hasta la médula. Farell como el atormentado cuya alma no descansará hasta tratar de redimirse de algún modo.

Por esta vez Allen dejó de lado los libretos sarcásticos y cómicos. No obstante, hay algo de esto en algunas salidas de la madre de los jóvenes, que endiosa a su hermano  en detrimento de su propio marido; y del tío exitoso en el mundo de los negocios, modelo de triunfador.

La escena donde el tío les propone a los sobrinos la acción que los “beneficiará” a todos, en medio de un parque frondoso,  con un clima lluvioso, es uno de los momentos altos del filme.  

“(…) Así como siempre me ha interesado el costado cómico de la vida,  también me atrae el lado trágico” declaró Woody Allen en las notas de producción.   La prueba es este excelente filme donde el estilo del autor, más allá del género elegido, ha permanecido indemne. 

Gustavo Camps

Título original: Odette Toulemonde
2007 Color, 100´  Francia Bélgica
Dirección: Eric Emmanuel Schmitt
Guión: Eric Emmanuel Schmitt
Montaje: Philippe  Bourgueil
Música:  Incola Piovani
Fotografía: Carlo Varini
Elenco: Catherine Frot, Albert Dupontel, Jacques Weber, Fabrice Murgia

Odette trabaja en una tienda, es viuda y su vida no tiene otra finalidad que la de hacerse cargo de sus hijos adolescentes. La única desviación de esta rutina es la lectura de un escritor popular, que a su parecer, la ha vuelto a la vida en un momento en el que estaba por tocar fondo.

La candidez de Odette, su falta de costumbre con cierto tipo de relaciones sociales, hace que, por ejemplo,  se prepare durante días para ir a la firma de ejemplares de una nueva obra y cuando está frente al autor se trabe al decirle su nombre para la dedicatoria. 

El escritor de marras es una suerte de dios para esta mujer que transita los cuarenta largos. Sin embargo él en su vida privada no lo esta pasando de lo mejor. Sufre cuestionamientos familiares y profesionales., lo que lo pone al borde de la depresión.

El filme de Schmitt juega con cruzar a estos dos personajes. Como lo indica el título, transita la comedia, pero en rigor, elude la finalidad más primaria del género original, que es la de divertir, por la de mostrar desde afuera cómo sería si la vida de estos personajes transitara por los mismos carriles por un tiempo.

La actriz Catherine Frot, en el rol de Odette, un personaje estereotipado de clase popular, despliega toda su simpatía, su espontaneidad y su gran dote actoral. Justamente, es en las actuaciones, más que en el guión y la realización, donde el filme despierta más interés.

Gustavo Camps