El director egipcio, Youseff Chahine,  falleció en El Cairo a los 82 años el domingo 27 de julio. Chahine fue uno de los mentores del cine egipcio y el que descubrió al célebre actor Omar Sharif oriundo también de este país.

El primer film de Chahine  fue Baba Amin (1950). Un año después proyectará  Hijo del Nilo en el Festival de Cine de Cannes. Justamente, en 1997 Cannes premio su trayectoria.

Curiosamente, los primeros estudios de Chahine son sobre actuación y no sobre dirección cinematográfica. En su país natal Chahine era considerado un formador de directores, pocos son los cineastas egipcios que no se educaron con él en el arte de filmar.  

Estación El Cairo, de 1958, es uno de sus filmes más conocidos.  En 1970 ganó el Tanit de Oro en Tunicia. En 1994 filmo El Emigrante. En una serie de cuatro películas consideradas autobiográficas muestra los conflictos y éxitos de su vida: ¿Alejandría…Por qué? (Iskanderija… lih?) (1978), Una historia egipcia (Hadduta misrija) (1982), Alejandría, de nuevo y siempre (Iskanderija, kaman oue kaman) (1990) y Alejandría…Nueva York (Iskanderija… New York) (2004).

La obra de Chahine puede considerarse intimista y muchos de sus filmes contienen un medido compromiso polìtico. “Youssef Chahine falleció a las 3:30 de la madrugada en el hospital militar de Maadi”, informó a las agencias noticiosas del mundo uno de sus discípulos, el director de cine egipcio Jaled Yussef.

Gustavo Camps

Se estrena el 4 de septiembre, Licencia Número Uno, largometraje documental dirigido por la realizadora argentina Matilde Michanie, que residió durante 13 años en Alemania.

Michanie completó allí sus estudios de cine y televisión en la Universidad de la ciudad de Kassel además de trabajar también para las cadenas de televisión WDR y 3 SAT como realizadora de documentales y videofilms, y como productora e investigadora para diversas producciones europeas y latinoamericanas.

“LICENCIA NÚMERO UNO”, coproducción argentino-alemana, trata sobre el boxeo femenino y la figura de Marcela “la Tigresa” Acuña, pionera de este deporte en la Argentina, a la que se suman, las pioneras de Estados Unidos, más un relevamiento de la situación del boxeo femenino en Europa.

En la Argentina, Michanie rodó en las provincias de Formosa y Buenos Aires,  y en el exterior en distintas ciudades de Estados Unidos y Alemania.

El film cuenta la historia de la “Tigresa Acuña”, primera mujer que obtiene una licencia de boxeo profesional en nuestro país. El film además muestra el nacimiento y el estado actual del boxeo femenino en el mundo, a las pioneras internacionales y a las jóvenes boxeadoras principiantes.

En particular, la vida de la Tigresa Acuña está marcada desde la adolescencia por la lucha, primero con su entorno familiar y social, al que se enfrenta desafiando la autoridad paterna y la moralidad pueblerina, al formar pareja con su entrenador, Ramón Chaparro, con quien tiene dos hijos y una indestructible alianza que la ha consagrado campeona de boxeo mundial en las categorías Gallo y Super-Gallo y actualmente también en la categoría Pluma.

Pero su lucha fue dura además con las instituciones que regulan el boxeo, con un medio masculino hostil, con las trampas del negocio y con los promotores sin visión. Con determinación esta bella mujer logró vencer uno a uno los obstáculos y ganarse el lugar que en la actualidad ocupa.

Licencia Número Uno es una producción de SUR Films en coproducción con Morocha Films y Yaguareté Films, la participación de Guazú Media y el apoyo de NORMEDIA y del Instituto de Cinematografía y Artes Audiovisuales de la Argentina (INCAA).

El equipo técnico está conformado por Ada Frontini, Pablo Zubizarreta, Sven Kische y Gaby Linke en cámara. Máximo Pochiero, Rubén Piputto, Luger Hennig y Marcelo Roucco en sonido. El montaje está a cargo de Alberto Ponce. La música es responsabilidad de  Fernando Manuel Diéguez. Marina Zeising coordina la post-producción,  Natalia Peluso es la jefa de producción y los productores son: Matilde Michanie, Gonzalo Rodríguez Bubis, Pablo Salomón, Ivonne Roucco y Detlef Ziegert.

Entrevista a la directora  Alexandra Leclere

Directora, guionista y compositora de la banda sonora de su primer largometraje (Mi hermana y yo, 2004)  con El Precio a pagar Alexandra Leclere retorna a la comedia, aunque sin los toques autobiográficos de su obra anterior.

EVC: ¿Este film tiene continuidad con su primer largometraje?
AL: Para nada. Es una historia nueva, una nueva aventura, aunque quizá si, ambas tengan un único elemento en común: el momento de la cena como disparador de algo imprevisto

EVC: ¿Cómo dirige a los actores, les da lugar para improvisar o prefiere que sean estrictos con el guión?
AL: Mis diálogos son extremadamente precisos. Yo busco música en las palabras, de modo que una palabra no puede reemplazar a otra, porque me cuido mucho de respetar la melodía. Eso es lo que le aporta ritmo a una comedia. Nunca dirijo a los actores en general. Les hablo personalmente a cada uno, discretamente, dándoles pequeñas indicaciones, lo más sutilmente posible. Me considero muy afortunada de haber trabajado con intérpretes que se dieron cuenta inmediatamente de las emociones que quiero expresar y que entendieron el significado de las situaciones que tuvieron que actuar.

EVC: ¿Ensaya mucho; filma tomas de más?
AL: En general no hago muchas tomas porque resuelvo por intuición y trato de no cansar a los actores, en rigor, ensayar nunca ensayo

EVC: ¿Cómo desarrolla los diálogos?
AL:  Es lo que más me gusta. Cierro los ojos y visualizo las escenas y los diálogos, entonces, surgen de allí, de las situaciones que ya he creado. Por sobretodo, como decía, yo busco música en las palabras. Trabajo tanto en el tono y en la musicalidad de las palabras como en su significado. Así es mi método de trabajo.    

EVC: ¿El ritmo al que hacia referencia, aparece al escribir el guión o al dirigir?
AL: Insisto, el ritmo y el tono de las palabras y las frases son tan importantes, para mi, como su significado. Mientras escribo me aseguro de que los diálogos generen ritmo y suenen rítmicos. En el momento de dirigir todo tiene que estar en su lugar y los interpretes deben señirse al texto lo más ajustadamente posible.

EVC: ¿Cómo armó la escena de la cena con la dos parejas? Resulta desopilante…
AL:  …para mi fue como cualquiera de las escenas. Recuerdo que tuve que reajustarle algunas líneas durante el rodaje. Por ejemplo, en el guión los hombres tienen que parar de reírse, pero a medida que rodábamos me di cuenta de que las carcajadas eran de tales proporciones, que tuve que reescribir la siguiente parte de la escena y adaptar los diálogos en consecuencia.   

EVC: ¿Qué buscan esos cuatro personajes?
AL: Los quiero mucho. Todos buscan la felicidad y se tiran, entre ellos, con lo que tienen a mano…

EVC: ¿Tiene una idea previa de la música que va a utilizar en el filme?
AL: No. El film debe estar construido como para transmitir un sentimiento y una atmósfera tales que puedan inspirar al músico.

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